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El hombre de al lado, de Mariano Cohn y Gastón Duprat

Por Juan José González Mejía
53 Muestra Internacional de cine en Xalapa

Fernando Pessoa dice en un verso: “Somos extranjeros doquiera que estemos/ somos extranjeros doqueira que moremos,” en ese tenor es multidireccional la idea central de El hombre de al lado/ Argentina- 2009, de la dupla Mariano Cohn y Gastón Duprat: un tipo que abre una ventana en el muro de la casa del vecino para que le llegue “un poquito de luz que a vos te sobra y no la usás”.

Desde la interpretación social, ideológica y cultural el filme se abre a lecturas válidas cuando nos vamos enterando de las vidas del diseñador bien y maestro universitario Leonardo (Rafael Spregelburd), quien habita una jactanciosa mansión construida por el célebre arquitecto suizo Le Corbusier, y de Víctor (Daniel Aráoz), vendedor de coches usados y cuyo talante tosco es inversamente proporcional a su actuar: se cree un Juan Camaney ante las mujeres, pese a ser madurón y calvo.

Con encuadres plagados de primeros planos parciales y, en especial, ligeramente temblorosos, los directores narran una historia que estalla efectivamente entre la comedia cáustica, el develamiento de las clases sociales y la manera de percibir el mundo, aunado a una inquietante reminiscencia de Teorema/ 1968, de Pasolini: la irrupción del extraño en un mundo apacible, burgués.

Desde los encuentros de Leonardo y Víctor, a través de las ventanas, y en la propia casa del primero, el desfase cultural y de vida se apreciará. Los vecinos no se eligen, reza el cartel argentino del filme. Verdad buena. Y para ello el lastre de la convivencia irá adquiriendo matices tensos, ambiguos donde la privacidad es vista como una reliquia ante la aparición de una modernidad agobiante de ismos, sí, pero proveedora (paradójicamente) de comodidades y accesos a otros niveles de convivencia.


Desde la ironía de Víctor que sólo quiere hacer una ventana como “un ojo de buey como los barcos,” pasando por la disfuncionalmente snob familia de Leonardo (su esposa e hija), el filme planta pequeñas minas subjetivas que quizás se detonen en la autoconfesión de fragilidad emocional y displicencia ante la irremediable interacción social donde el punto de vista personal (buena decisión la de no usar contraplanos) pareciera la dictadura de la modernidad. 

Lo que Mariano Cohn y Gastón Duprat levantan entre Víctor y Leonardo es un muro de Berlín moral donde la ubicación próxima (vivo “en la calle 54, número 324, puerta al fondo”, dice Víctor) está marcada por cosmovisiones distantes, de allí que funcione bien la fotografía en digital (premio en Sundance 2010) de los propios Cohn y Duprat para capturar un hálito de verismo en una relación entre vecinos que deja la sensación que una pared puede ser metáfora de una frontera incluso entre países. Si no, hay que echarle una ojeada a la situación mundial actual...

Confesiones en el diván, de Percy y Felix Adlon

Por Juan José González Mejía
53 Muestra Internacional de cine en Xalapa

Confesiones en el diván (Mahler auf der Couch)/ Alemania- Austria- 2010, del veterano teutón Percy Adlon y su hijo Felix Adlon (dueto rara avis en la cinematografía mundial), ofrece un apetecible menú intelectual: el encuentro en agosto de 1910 entre Mahler y Freud en Leyden, Holanda. De hecho Percy Adlon, también director de la afamada Bagdag café/ 1987, ya había tocado el asunto de la vida de celebridades en su primer largometraje Celeste/ 1980 (sobre Marcel Proust y su ama de llaves) y en Herschel y la música de las estrellas/ 1984 (de la relación del compositor Hyden y el astrónomo Friedrich Herschel).

Si rescatamos el diálogo entre Mahler y Freud cuando el primero le dice al padre del sicoanálisis que no sueña, y para colmo éste luego el espeta que la música le causa espasmos, estamos ante un filme (a) que deberíamos tomar con reservas en cuanto a su fidelidad tanto histórica como a sus escarceos estéticos (actores hablando ante la cámara de manera anti bressoniana), (b) que confronta a dos personajes célebres cuya tentación para tratarlos como tótem es seductora y (c) cuya reinvención biográfica es libérrima y permite, por lo mismo, el tono fársico que en muchos segmentos adquiere el filme.

Los directores perfilan su mirada con agradecibles toques de humor en medio de la marejada melodramática en la que se deboca el guión: las congojas de Mahler (Johannes Silberschneider) en el diván (de allá el título literal en alemán: Mahler en el diván) ante Freud (Karl Markovics) por las infidelidades de su esposa Alma (Barbara Romaner) la cual desfoga su sexualidad ante el impedimento de Mahler de que ella volviera a dedicarse a la música.

Los que nos ofrece Confesiones en el diván es una tragicómica puesta en escena de época donde la premisa contundente, el encuentro de dos genios, está aderezada con la batuta de un azar que raya en lo mordaz (cuando el propio Mahler recibe una carta de amor del arquietecto Walter Gropius, amante de su mujer), en lo fatal (la muerte de la hija de los Mahler ), en lo inopinado (el diagnóstico de Freud para Mahler: complejo materno), lo cómico (la forma en que los Adlon trataron el adulterio de Alma: con personajes que dan testimonio de ello y cómo lo dan, en especial la madre de Alma frente a la cámara).

Si atendemos a los datos periféricos (de memorias y biografías que cuentan que Freud, después de muerto Mahler, le mandó cobrar la consulta), tal vez quede justificado el desenfado de los Adlon para contar la historia de Gustav Mahler, compositor que quiso darle rienda suelta a su creatividad a expensas de la dedicación de su mujer (compositora y pianista) cuando en realidad la fuerza vital de ésta es la que sitúa al filme en una dimensión natural, es decir, humana y que no sería descabellado anotar que se trata del personaje más interesante del filme…

En un mundo mejor, de Susanne Bier

por Juan José González Mejía
53 Muestra Internacional de cine en Xalapa

En alguna entrevista David Cronenberg, a propósito de su filme Una historia violenta/ 2007, manifestaba convincente que la violencia tenía causales hereditarios, genéticos.
Para la danesa Susanne Bier en su burilada En un mundo mejor (Hævnen)/ Dinamarca- 2010 es más asequible el axioma ortegueano de “yo soy yo y mi circunstancia” al plantear una historia condensada en varias perspectivas de la violencia: desde la víscera misma del ser humano y de su contexto político-sociológico, de allí el proto geográfico inicio segmentado: el médico Anton (Mikael Persbrandt) en su labor en África en un lugar convulsionado por la tiranía y la guerra; en Dinamarca, el primer mundo, el desajuste emocional de su hijo Elias (Markus Rygaard) padeciendo bulliyng en la escuela.
De esta manera Susanne Bier, la cobijada por el tata del Dogmas 95 Lars von Trier, lanza sus redes fílmicas ante un inopinado menú antropológico: la violencia subyacente bajo los cánones de los tenores sociales resquebrajados.

De allí que el nudo esencial para concatenar sociedades distantes, mejor dicho: para universalizar la hecatombe moral y material esté bien justificada en la gélida relación de los padres de Elias y la situación en el campo de refugiados, sazonada con neurálgicos terremotos periféricos: la orfandad de Christian, el amigo de Elías, y su angustiosa manera de pensar ante la violencia - la secuencia en el taller mecánico es magistral y alusiva, cuando Anton le demuestra a sus hijos que el tipo agresivo que lo abofeteó está equivocado, que es preferible poner la otra mejilla antes de hacer uso de la venganza (hævnen, en danés).
En manos de un director convencional la situación descrita anteriormente quedaría en la mera moraleja ramplona, pero Susanne Bier (con algún dejo buñueliano) irrumpe con esquemas sicológicos profundos. La incomprensión de Elías y Christian hacia la actitud de su padre ante el mecánico detonan en ellos una venganza soterrada no equidistante de los idearios de los combatientes africanos. Aquí la pepita de oro del filme: la violencia y la venganza tienen mucho en común, sí pero teniendo como termómetro el dilema moral, sino cómo entender el axiomático principio de redención de Anton ante la brutal e inhumana acción del sátrapa africano con sus víctimas mujeres y, sobre todo, la visión inquietante que tiene Christian sobre la venganza.

Si en Hermanos (Brode)/ 2004 y Después de la boda (Efter bryllupet)/ 2006 Susanne Bier deslizó con portentosa narrativa visual sus temas tan caros (extrapolación de la preocupación primermundista hacia los conflictos y padecimientos de otras partes del orbe), en Un mundo mejor depura su discurso fílmico, con una estética sobria, con un híbrido efectivo entre el Dogma 95 y el melodrama hollywoodense cuyo resultado fue el Oscar por Mejor Película en lengua no inglesa en 2011…

Las razones del corazón, de Arturo Ripstein - En la mira

Por Juan José González Mejía
53 Muestra Internacional de cine en Xalapa

El personaje de Ernesto Laguardia, en Principio y fin/ 1993, tiene una compañera ad hoc: Emilia (la estupenda Arcelia Ramírez) que En las razones del corazón/ México- España- 2011 igualmente desciende las escaleras a un infierno insostenido bajo el relamido esquema ortegueano de “yo soy yo y mi circunstancia.” Arturo Ripstein plantea un melodrama estructurado, en lo formal, con buena lente, encuadres maestros. Usando su caligrafía predilecta, los largos planos secuencias (inaugurada desde su ópera prima Tiempo de morir/ 1965), sazonada con una efectiva (¿efectista?) fotografía en blanco y negro, Las razones del corazón más que basarse en los dos últimos días de Madame Bovary, de Flaubert, pareciera explayar las dos cintas anteriores de Ripstein (El carnaval de Sodoma/ 2006 y La virgen de la lujuria/ 2002) en donde estallan, de manera reiterativa, la obcecación de un estilo oscuro, barroco a más no poder cuyos personajes al límite de su (in) existencia estallan en fragmentos de miseria y vacío existencial.

El Sartre del cine mexicano, Arturo Ripstein - con su habitual terquedad para los excesos asfixiantes- reúne un microcosmos (el edificio de departamentos) de seres dolidos no contra el destino - el futuro hipotecado por el azar- sino con el presente. Si atendemos el verso de Octavio Paz que “el presente es perpetuo”, Emilia se ajusta a su premisa irreductible: el hoy es el perenne infierno donde el desamor (Javier/ Plutarco Haza, su marido, es una de las aristas de su derrota interior), el erotismo (su pasión por el saxofonista Nicolás/ Vladimir Cruz), las vicisitudes del dislate del albedrío agobiado (con su vecino gandul/ Alejandro Suárez y el fumigador/ Carlos Chávez), su sobada incapacidad maternal y la opresión de las deudas económicas, trazan el sístole y diástole del derrumbe de Emilia hasta su fatal desenlace.

A diferencia de La virgen de la lujuria donde se velaba una rendija de ternura en Nacho (Luis Felipe Tovar) por la prostituta Lola (Ariadna Gil), en Las razones del corazón Ripstein no da lugar a ese sentimiento, el tono monocorde de su melodrama irrespirable destella atmósferas lúgubres, con personajes que construyen un mundo donde la desesperanza es quizá la única alternativa vital en medio de un diseño de teatralidad y preciso fluir fílmico.

Si para Juan Rulfo “hay esperanza a pesar nuestro”, para Ripstein no la hay. Tal vez por ello su cine contenga, con todo y diálogos a veces manieristas, una dimensión bastante humana…

La cosa del otro mundo - El comentario

LA COSA DEL OTRO MUNDO
por Carlos Manuel Cruz Meza

El cine de terror en general y el cine gore y splatter en particular, retoman dentro de sus temáticas, imágenes y recurrencias, ciertas preguntas que han inquietado a la Humanidad desde sus albores. La cosa del otro mundo de John Carpenter es un ejemplo muy claro.

Existe una versión anterior de La Cosa, producida en los cincuenta y que presentaba a una criatura muy parecida a un monstruo de Frankenstein cabezón. Esa cinta es bastante desafortunada, pues desvirtuaba el concepto original del cuento de John W. Campbell jr., “¿Quién está ahí?”, en el que las dos cintas se basaron.

En la versión de Carpenter, encontramos referencias de corte freudiano y la alusión al desconocimiento del Otro y aún del Yo. En palabras de Borges: no sabemos cómo es nuestro rostro ante los ojos de Dios.

La otredad es el principal punto de interés en el planteamiento de esta cinta. Si el engendro metamorfo nos aterroriza es, más que nada, porque no sabemos cómo es; de allí el tratamiento de “Cosa”. En este sentido, se trata de uno de los monstruos más interesantes del cine, ya que, a diferencia de Alien, su forma nunca es la misma.

Desde esta perspectiva, el problema de eliminar al monstruo se vuelve secundario frente a la urgencia de detectarlo. Puede ser todos o ninguno de los integrantes de la expedición. Incluso, todos los involucrados no tienen la certeza de saber ellos mismos si son humanos o no, dadas las características fisiológicas del intruso. Dudan de sí mismos y de su estado de conciencia. Se preguntan: “¿Sabría yo si el monstruo me hubiese asimilado?”. Y peor aún: “¿Qué pasaría si todos fuesen monstruos, menos yo?”. Ante esta duda, la explosión paranoide afecta a todos. Desconfían de los demás pero, peor aún, desconfían de sí mismos. Paranoia y otredad; ingredientes de la mejor xenofobia.

Ante estas dudas, la noción de identidad se hace polvo. El “yo soy el otro” toma las riendas. ¿Quién es más peligroso ante esta situación de emergencia: el extraño alienígena o los compañeros paranoicos? La Cosa divide y vence. Su mayor poder no estriba en aterrorizar solamente con su aspecto, de por sí repulsivo, sino con su capacidad polimorfa. Consigue minar los cimientos de las relaciones humanas y aún la visión del propio Yo freudiano.

Para los expedicionarios, se trata de un enemigo a vencer. Pero la Cosa es, como Alien, un monstruo eminentemente darwiniano. Su principal interés no es matar, sino sobrevivir. Para Alien, se trata de un ciclo perpetuo de comer y reproducirse, similar al cachondo personaje de Syl en Especies. Para la Cosa, es la reproducción per se. Es un ente que busca perpetuar su material genético imitando el material genético de otras especies. Camaleónica, la Cosa utiliza además un recurso que muestra lo avanzado de su nivel en el Universo: la reproducción asexual. Se limita a asimilar a sus presas; cierto que podríamos hablar de agresivas penetraciones, sobre todo con los rojos tentáculos que recuerdan una suerte de monstruosos penes (un poco como la cabeza con forma fálica de Alien), pero se trata de una penetración ritual. En una escena, la Cosa baña a un perro con chorros de un líquido que remite al semen; más adelante, nos damos cuenta que este líquido es también parte del monstruo y sirve como vehículo para invadir la anatomía ajena. Como el semen, contiene suficiente carga genética para apoderarse de un cuerpo completo y transmitir su DNA. La Cosa es el futuro de las especies, quizás un espécimen más avanzado en la escala evolutiva que el agresivo Alien. Es el monstruo definitivo, porque se convierte en nosotros mismos, y porque nosotros no sabemos si, agazapada entre nuestro DNA, no se esconde una bestia.

Carpenter enfatiza la faceta violatoria de la Cosa en el hecho de que en la película no aparecen mujeres. Son los hombres quienes sufren esta penetración ritual y simbólica, quienes son literalmente poseídos por un monstruo que, en una grotesca parodia del embarazo, se concibe a sí misma a la imagen y semejanza de ellos. En cierto sentido, la Cosa es un Dios que, a través de sus criaturas, logre eternizarse.

Carpenter juega con diferentes miedos presentes en el ser humano: el miedo a la soledad en el aislamiento a que están sometidos los integrantes de la expedición; el miedo a los extranjeros en la presencia de un extraterrestre y en los comentarios sobre el campamento noruego; el miedo al propio Yo en la clonación realizada por la Cosa; el miedo al sexo en la ausencia de mujeres y la presencia de un monstruo lleno de protuberancias; el miedo a la sangre en el aspecto del engendro; y el miedo a diferentes especies animales (arácnidos, cánidos, etc.), en los componentes que la Cosa va asimilando y las formas que va tomando.

Destaca en esta película la conclusión, que no obedece al típico happy end estadounidense. En un final alternativo, la cinta termina como empezó: con un perro corriendo a través de la nieve. Una imagen que se ha convertido ya en un referente obligado del cine de terror.

Estrenada en 1982, una semana después que E.T. el extraterrestre, La cosa del otro mundo es una de las mejores cintas de terror que se hayan filmado. Presenta la única actuación convincente de Kurt Russell (el famoso Snake de Escape de Nueva York) y, desde su exhibición hace más de veinte años, nunca ha sido repuesta. La actual versión en DVD está además remasterizada y cuenta con algunas escenas adicionales.

En 2011 se lanzó la precuela de esta cinta, donde se narra lo ocurrido en el campamento noruego y averiguamos qué ocurrió allí. Sin embargo, la atmósfera de la cinta de Carpenter es irrepetible y aunque la nueva película sobre este monstruo es decorosa, no consigue ser más que un homenaje.

George Harrison viviendo en el mundo material - La opinión

Un campo con flores, una escena de paz, es lo que nos presenta Scorsese mientras una voz en off dice, anda George vuela y se libre. George Harrison aparece en pantalla y se oculta como niño entre las flores. Así inicia George Harrison viviendo en el mundo material, documental que narra paso a paso la vida del integrante que formó parte de la mítica banda The Beatles, desde sus inicios hasta su muerte.

Scorsese juega un poco con sus dotes de cineasta y plasma rasgos humanos dentro del documental para crear en el expectador asombro, familiaridad, caos, vergüenza, suspenso, entre otras emociones; además durante 3 horas y media intenta contar la historia de un hombre que lejos de ser deslumbrado por los reflectores de la fama al lado del cuarteto más famoso de la historia, The Beatles, trata de encontrar la paz interna en su música, las drogas yla meditación.

Es interesante el juego de la edición en la primera mitad del documental que corresponde a la historia de George Harrison abordando un poco su niñez y posteriormente su participación con los Beatles, aquí el corte crea emoción, tensión y repulsión, y no es de sorprender pues el crecimiento de la fama fue acelerado en ese momento; parecía que nos estaban dando de comer espagueti una y otra vez hasta hartarnos, así era el ritmo acelerado que llevaron durante 10 años los Beatles, sin saber que día estaban viviendo, tocando y ganado dinero, teniéndolo todo.

Scorsese nos muestra a un George descrito por sus conocidos como el Beatle tranquilo, el que ponía equilibrio entre un John Lennon alocado y un Paul McCartney con rostro de inocente. El hombre que era un ángel de la paz y mas tarde un ángel de la ira; el George Harrison que callaba sus canciones por que Lennon y McCartney se apropiaban de todo, el que aportó maestría a muchas canciones del cuarteto y que hasta ahora se le reconocía cierta autoría, como por ejemplo, en la canción And I Love Her, escrita por Paul McCartney, la guitarra que da ese toque característico a la canción fue compuesta instantáneamente por George Harrison. El documental muestra que Paul McCartney defendía sus creaciones al grado de no permitir que Harrison influyera demasiado. Un cuarteto que en el fondo guardaba el celo de competir entre sí y que al final ocasionaría la ruptura inminente de la banda más famosa del siglo XX. Temas ícono de George Harrison como Something y While My Guitar Gently Weeps terminarían siendo un producto logrado a base de sacrificios y muchas vueltas de hoja.

El documental empieza a darse respiros cuando se inicia el viaje a la India, la entrada de Ravi Shankar a la vida de George, su busqueda por la espiritualidad y su experimentación con el LSD.

Lo que sigue después de esto es uno de los primeros descubrimientos sobre la vida de George Harrison, se aprecia su ruptura de The Beatles y su regreso a la música de la mano de Phil Spector; su experimentación con la citara, su apoyo a la India con el concierto de Bangladesh, su amistad con Eric Clapton que le costaría su propio matrimonio; sus colaboraciones con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty, y su contínua busqueda por encontrar la paz luego de ser diagnósticado con Cancer y sufrir un intento de asesinato. El George que permaneció callado al mundo y solo se rodeó de sus conocidos. El hombre que buscaba un encuentro espiritual rodeado de un inminente mundo material. Sin duda George Harrison: Living in the Material World es un documental imperdible para todo fan de The Beatles y más para los seguidores de su trayectoria.

En Xalapa se proyectará el jueves 15 de marzo de este 2012, a las 5:25 pm. Cinépolis Plaza Museo. Será Ultima Función.

http://www.youtube.com/watch?v=FofIc9_XhPo

El Artista - Una película muda que se hizo en el 2011

Año 2059, uno de mis nietos se acerca y me dice: “Abuelo mira ésta extraña película, es en blanco y negro y además muda, pero lo más extraño es que fue hecha en el 2011, en la época del cine digital”. Pude notar la admiración en su mirada. A mi buen nieto cinéfilo le conté sobre cómo fue la primera vez que vi esa magnífica película.
“Se llama El Artista y es francesa”, le dije.

Hace muchos años cuando era joven vi por primera vez esa película en el cine, no era como el cine de ahora, antes nos sentábamos en butacas frente a la pantalla, comiamos palomitas con sabor real a palomitas y presenciábamos esas magníficas imágenes en movimiento acompañadas de sonido. Para mí fue muy impactante ver una película que me transportaba al pasado y me hacía sentir parte de una época que jamás había vivido. Era gracias a la magia del cine que sentía que estaba en un estreno de los años 20.        

 A México llegó en el 2012. Fue una noche especial. La sala estaba llena a pesar de ser la última función del cine, en Xalapa por supuesto. Inició la proyección y algo me llamó la atención, la pantalla de la película era casi cuadrada. Por un momento pensé que no estaba bien colocada la resolución del proyector pero me di cuenta que no era así, la película estaba hecha lo más parecida al formato del antiguo cine.

“No te contaré la película, por que la tienes que ver” le dije.

           El artista fue una película que con su atrevida propuesta en el año 2011, se llevó el reconocimiento de los amantes del cine. Ganó muchos premios e incluso se dijo que sería la película francesa con más premios de la historia. En la sala se respiraba nostalgia en todas sus imágenes. Me sorprendió el uso de la fotografía ya que parecía que estabas viendo realmente planos clásicos de una película antigua. Era como ver al cine desde otra mirada, se veía al viejo cine viéndose a si mismo y luego estábamos nosotros los espectadores modernos viendo ese reflejo, es decir, hay una escena donde un público en una sala de cine de los años 20 está viendo una película muda, pero al mismo tiempo estabamos nosotros viendolos a ellos.

        Toda la película es muda, pero hay ciertos momentos de sorpresas que te van a encantar, ahora regresando a la fotografía, el blanco y negro está magistral, hay juego de sombras, se agregó un efecto de ruido y escracheo que le da un toque de cine antiguo muy bien logrado, además, el director Michel Hazanavicius investigó muchas películas de Murnau, Fritz Lang, John Ford e incluso de Alfred Hitchcock!, y se ve en la pantalla.



           Hay simbolismos en toda la película, cuando la veas pon atención a los diálogos, a las marquesinas y a los títulos de las películas que se anuncian. La música es un maravilloso complemento porque captura la esencia de la época y te transmite la emoción melodramática, desde risas a llanto.

          Debo aceptar que fue gracias a los oscares que vi la película, pues ganó los principales premios, lo recuerdo porque en ese año un actor mexicano llamado Damian Bichir había sido nominado, pero el actor del Artista, Jean Dujardin se lo ganó. Fue un viaje de 100 minutos al pasado, sin dudas me incitó a imaginarme muchas posibilidades para el futuro del cine viéndose a sí mismo. Creo que para aquellos que pudieron verla en su época en la pantalla grande y fueron cinéfilos de corazón, estarán de acuerdo que fue muy interesante y entretenido ver un cine que ya no se hacía en nuestros tiempos, sin duda fue una película que solo se pudo disfrutar en el cine.

Mi nieto me dijo: “Como me hubiera gustado verla en esos cines de antes”

Por Rafa López

http://www.youtube.com/watch?v=swOaUy7DxmU

Xalapa si aún tienes tiempo de verla, disfrutala en el cine.

El árbol de la vida de Terrence Malick - En la mira.


El Árbol de la Vida ó 2011 La nueva odisea de Terrence Malick.
Por Rafa López

Ganadora de la palma de oro en el festival de cine más importante del globo, Cannes 2011, El Árbol de la Vida es una cinta que narra la historia de un niño vuelto hombre y que carga con las memorias de sus padres, al mismo tiempo él se pregunta dudas existenciales sobre la vida y el concepto de Dios. Es así como se lleva al espectador a un viaje dentro de los recuerdos y cual si se tratase de un sueño, se embelesa el film con escenas enigmáticas de la historia del propio planeta tierra.

La crítica

Muchos ya han visto la película, la misma prensa en su estreno en Cannes la abucheo y también la aplaudió, algunos la odiaron y tacharon de pretenciosa y otros la describieron como una obra maestra del nuevo siglo. El público también opina, hay gente que dice no haber entendido la película y otros que se trata de un cine más contemplativo donde lo que se disfruta son los paisajes y las escenas más extrañas que han causado debate en la crítica.

A continuación compartiré mi comentario crítico descartando toda lectura previa sobre el film y enfocándome en esta primera vista de la película.


Imaginemos por un momento que quisiéramos contar la vida de nosotros, si lo hiciéramos a la manera de Hollywood, nuestra película iniciaría cuando nacemos, llevaría un soundtrack con nuestras canciones favoritas y al final, terminaría por ponernos como el ser en que nos hemos convertido, donde se verían más nuestras virtudes dignas de ser llevadas al cine, o por el contrario, terminaria el film en la muerte de nosotros. Bien, con este pensamiento ahora imagine que en lugar de hacer una película entera sobre su vida, simplemente es usted quien se acuerda sobre ese pedazo de la vida que lo marcó para siempre, y lo hace mientras va manejando, o cuando esta en la cola del super, o en sentado en una sala de espera, ese recuerdo de toda una vida le lleva tan solo unos minutos. Terrence Malick director del Libro de la Vida, lleva al expectador a la imaginería del recuerdo de un individuo que nos contará la visión de la vida que le heredaron sus padres, los momentos que formaron su personalidad y carácter, sin embargo, hay un plus en el film que le da dimensiones colosales, nuestro personaje entablará un dialogo interno con Dios, representado como el cosmos, aquella fuerza silenciosa que en teoría ha presenciado la creación de las estrellas; de eso se trata El arbol de la vida.

                      Malick nos transporta al subconsciente del recuerdo, es por ello que sorprende al romper en algunos momentos el hilo conductor de la película, como a veces sucede cuando soñamos, no le ha pasado que sueña que esta en el viejo jardín de su niñez y de pronto esta en el mar.. pues así es El Arbol de la Vida de Terrence Malick, por otro lado se encuentra el aire místico de Dios, en el film el personaje se pregunta a si mismo ¿Dónde estas?, ¿Por qué no haces esto…? siendo que a Dios no lo podemos ver, ni oir, pero cual si fuese una fuerza tanto interna como universal, se manifiesta en la conciencia del ser humano desatando una creación dentro de él, siendo este símbolo la tierra y el universo como su creación y siendo Jack (el protagonista quien se hace las preguntas), veremos como se forma, se transforma y evoluciona.


                     La fotografía del mexicano y ahora nominado al oscar Emmanuel Lubezki no es preciosista como se podría calificar en algunas críticas, es arriesgada y digna de ser analizada, Lubezki toma la cámara en El Libro de la Vida para mostrarnos miradas, la de un bebe, la de como se ve el mundo a los 7 años, del suelo para arriba, los planos se inclinan como cuando agacha alguien la cabeza, la mirada perdida de rostros que no se almacenaran en el recuerdo pero si la de texturas, tela, agua, tierra. Como lo menciona el film, la naturaleza y la gracia, siendo ésta última la mirada divina, Lubezki hace movimientos de cámara cual si fuese la mirada del alma del personaje, que por instantes se sale de si para verse a si mismo. Por otro lado las imponentes imágenes del espacio, desiertos, mares, y lugares inóspitos, hacen que el film tenga un toque misterioso y soberbio.

                         Las actuaciones nos hacen olvidar que es una película y nos llevan a imaginar que estamos recordando alguna vieja vivencia familiar, Brad Pitt no es el protagonista del Libro de la Vida como algunos pensaran, y eso da más fuerza al film, Jessica Chastain no brilla por su belleza sino por el aire natural que refleja en la pantalla y por otro lado Hunter McCraken quien realmente es el protagonista, se lleva la película y nuestra mirada en el Libro de la Vida; nada menos que un niño que debuta en cine y que fue descubierto en el patio de una escuela en Texas. Sean Penn por otro lado, aunque poco aparece, deja esa mirada actual que conecta con el mundo real.


                         Quizá Terrence Malick quiere revelar en el Libro de la Vida lo simple y lo complejo de la vida dentro de nosotros mismos, ahí en un punto oscuro de nuestra mente donde se almacenan los recuerdos, tan oscuro como el espacio y tan enigmático como el concepto de Dios, que cuando logramos algun pensamiento revelador que se logra guardar para la eternidad en nuestro subconciente, se forma entonces un cosmos interno, por ello las escenas del espacio y de la tierra; esto puede relacionarse con la teoría de que en el cerebro nuestra mente forma miles de conexiones cuando se genera un pensamiento, tantas como las estrellas en el universo, siendo estas conexiones cual ramas en un arbol gigantesco de dimensiones tan colosales, que en sus ramas se encuentra escrita nuestra vida misma.


                          Malick presenta una obra que será de estudio para las nuevas generaciones, quizá no venga al caso y me lleve una que otra queja, pero me atrevo a decir que Malick quiere hacer una especie de homenaje a 2001 odisea del espacio de manera intimista, no al grado de la maestría de Kubrick, pero si presentando una tesis personal, para los que ya la vieron, esos últimos minutos del film desafían al expectador a tratar de comprender el significado de las imágenes presentadas, ¿no suena como al final de 2001 Odisea?

                      Si lo que quiere es ver una película con una trama comun, quizá el Libro de la Vida no sea la opción indicada, por el contrario, si está preparado para ver una película con la sensibilidad que se requiere para viajar a través de la pantalla hacia un cosmos divino y cuestionarse la existencia misma, vale la pena disfrutar de ese viaje.

                     En una próxima entrega platicaré simbolismos que vi en la película, cosas que no puedo aun escribir porque les estaría contando la película. Vayan a verla!

Aqui el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=I01gxXoqIlY

El Gran Milagro, la primer película mexicana en 3D.

Bien, es momento de hablar de una película que ha generado muchas críticas, algunos la elogian como la primer película mexicana que se ha realizado en 3D, llena de un mensaje que alimenta de fe y esperanza, otros la desprecian por no reunir suficiente calidad animada o por tratarse de un film relacionado a la iglesia católica; para este tipo de película es difícil hacer una crítica objetiva, pues habrá un lado de la moneda que se prefiere más que otro, y tratándose de una película con un mensaje que se sumerge en la religión habrá mucho en controversia.

Siguiendo el consejo del maestro Juan José González Mejía, debemos decir, amable lector, que para dar una crítica a una película, hay que quitarse todos los ojos posibles para verla solamente con el ojo de espectador, esto es, no tener prejuicios, y tratándose de este film, no hay que caer en el error de decir, es una película "solo para católicos", no, primero hay que ver el mensaje que quiere transmitir, los recursos que utiliza para hacerlo y por ultimo la emoción que genera en uno, atendiendo a estas tres partes daremos nuestro punto de vista del Gran Milagro.

El Gran Milagro cuenta la historia de 3 personas en algun lugar de México; una madre que tiene problemas económicos, un hombre duro que no sabe que hacer ante un problema familiar y una ancianita que cansada de lo mismo ha decidido romper con su rutina; estas personas serán elegidas para presenciar "el gran milagro", donde serán testigos de lo que sucede y no puede ver la gente ordinaria a nivel espiritual, un mundo donde los ángeles de la guarda están presentes y donde demonios acechan a la orden del día.

La película está basada en testimonios místicos, esto es, inspirada en visiones de gente con fe católica-cristiana, para el público creyente (es decir catolicos de tradición pero que no precisamente van a misa o siguen la fe), la película cumplirá doble objetivo, se entenderá, va a entrener y también servirá de revelación, pues demostrará de forma interesante, misterios que solo los mismos angeles podrían revelar, por otro lado; para el público ateo (los que rechazan todo credo religioso) será un interesante relato que bien puede ser apreciado como un género de fantasía.

No hay duda que es una película que tiene un objetivo, provocar un cuestionamiento interno sobre, ¿Será cierto que hay un mundo espiritual? ¿Hay vida después de la vida? ¿Dios existe?, será interesante para el espectador identificarse con alguno de los personajes y olvidarse que se trata de una cinta animada, para que durante 70 minutos sea testigo de lo que ellos verán.

La música juega un papel importante en la película, Mark Mckensie (compositor de la música de películas como Mente Indomable, Spiderman) sensibiliza con una banda sonora celestial, llena de fuerza y paz, incluso se rumora que puede ser nominado al oscar.

La animación es aceptable para tratarse de la primer película mexicana animada en 3D, por mencionar detalles de realización, trabajaron 20 personas siendo 12 los animadores, el proyecto duró 3 años, y su presupuesto comparado con el de producciones estadounidenses solo llega al 1%. El Gran Milagro es también el primer filme de animación mexicano en estrenar al mismo tiempo en las principales ciudades de México y simultáneamente en varias sedes en Estados Unidos.

Patricia García Peña, productora de la empresa de animación mexicana "Imágica Films", estuvo a cargo de la producción en línea y junto con Gregorio Núñez, desarrollaron una línea de producción que con apenas 12 animadores mexicanos lograron darle mayor velocidad al proceso de animación, lo cual hizo posible concluir el largometraje en un tiempo récord.

Como Bruce Morris, el director de la película, quien ya habia tenido experiencia a cargo de proyectos de animación (Buscando a Nemo, La Princesa y el Sapo) es de origen estadounidense, los animados fueron basados en el idioma inglés, por lo que la boca de los personajes no presentará la misma gesticulación hablada en español, detalle que muchos calificarán como fallo de animación.

El gran milagro sin duda fue realizar la película, mucho tiempo y mucho trabajo, ahora el gran milagro es que siga en cartelera para que el público la vea, sin embargo, puede haber otro gran milagro, que el espectador que vea la película realmente provoque algo en él, y no es de sorprender, pues ya se ha dado en la opinión del público que mencionan, "apesar de ser una película animada, me ha cambiado la vida", repetimos, para el público que vaya con el deseo de encontrar un mensaje de fe y esperanza, el gran milagro estará esperándolo.

En Xalapa solo estará hasta el 27 de octubre.



Presenta el CCC licenciatura de cine avalada por la SEP

Fuente: Marcos Platas Ramírez - Diario Crónica de Hoy

A partir de 2012 el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) contará con la Licenciatura en Cinematografía, la primera con validez oficial ante la SEP y constará de nueve semestres. Su primera generación será de 16 estudiantes, de los cuales 2 podrán ser extranjeros. El costo mensual de ésta rondará entre los 2 mil pesos  y se regirá bajo las mismas normas de estudio que han prevalecido en este centro.

La presidenta del Conaculta, Consuelo Sáizar, celebró el esfuerzo del área administrativa y la dirección general del CCC para crear este plan de estudios, con un trabajo de alrededor de un año y ocho meses.

“Es arquear el sueño de los que nos precedieron. Es interpretar las palabras de Carlos Velo cuando junto con Luis Buñuel, en 1975, inauguraron esta escuela de lenguaje cinematográfico: ‘los sueños no tienen dimensión’. Hoy (esta licenciatura) es una realidad”, dijo la funcionaria.

También dio a conocer que se obtuvieron los documentos que acreditan la posesión del terreno donde se ubica el CCC, después de 36 años. “Ahora se podrá trabajar con libertad. Este esfuerzo se verá reflejado representando y narrando las historias de México en el cine”, agregó.

Junto con Henner Hoffman, director del CCC, Consuelo Sáizar inauguró una sala THX con el nombre de “Luis Buñuel”, la cual es la tercera en el país que cuenta con audio Dolby Digital 7.1, que permite un sonido envolvente repartido en 7 canales. “Con ello se busca escalar a nuevas tecnologías y disminuir la brecha digital”, señaló.

¡Hay festival! ¿Donde? en Xalapa!! y ¡¡Hay cine!!

[8] 22:00 - 23:30. Jueves, 06 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Proyección: película El invernadero
     

Película basada en las vidas reales de quienes componen el reparto, pero especialmente en la de Mario Bellatin, sus ideas y su forma de vivir. Este retrato, a caballo entre la ficción y el documental, nos desvela la intimidad cotidiana y el proceso creativo del artista. Cinta presentada en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI).
Dirección: Gonzalo Castro
Duración: 92 minutos

[18] 17:00 - 18:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala D. Guillaumin).
Marc Silver en conversación con Jon Gower
     

Con motivo del 50 aniversario de Amnistía Internacional, el Hay Festival celebra la sólida e importante trayectoria de su fundación con la proyección de Los invisibles. Este documental, que relata la problemática de los migrantes centroamericanos en México, fue co-dirigido por el célebre actor, director y productor de cine Gael García Bernal y por Marc Silver, director de documentales de carácter social, fotógrafo y video artista inglés. La proyección vendrá precedida de una charla con el periodista británico Jon Gower.
Traducción simultánea del inglés al español.
Documental en español
Co-organizado con Amnistía Internacional

[23] 19:00 - 20:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Carpa de la Casa del Lago.
Locos por el cómic: Peter Kuper y Eric Drooker en conversación con Eduardo Rabasa
     

Dos grandes artistas gráficos de la escena underground neoyorquina vendrán a hablar de sus respectivos trabajos. Peter Kuper, cuyo estilo recuerda al expresionismo alemán, publicó con Sexto Piso Diario de Oaxaca(2009), un recorrido gráfico por las calles y la historia de Oaxaca, ciudad donde residió en 2006, año marcado por las protestas sociales. Una de sus obras más brillantes ha sido la adaptación de La metamorfosis, de Kafka, un cómic que sumerge al lector en una atmósfera alienada y oscura. Colabora asiduamente con las revistas Newsweek,MAD, así como con periódicos como el New York Times. Por otro lado, Eric Drooker, galardonado con el American Book Award por su novela gráfica Flood!, colabora habitualmente con The New Yorker. Este pintor e ilustrador destaca por su genial manejo del blanco y negro. Ha realizado la animación de la película Howl (Aullido), una adaptación al cine de animación del poema de Allen Ginsberg, figura emblemática de la generación Beat.
Traducción simultánea del inglés al español
Co-organizado con Sexto Piso


[28] 21:00 - 22:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago.
Vivencias Literarias: Manuel Vicent, Sergio Ramírez,Manuel Gutiérrez Aragón y Carmen Boullosa con Juan Cruz
     

Unos son directores de cine o teatro, otros dirigen revistas y publicaciones culturales; y, como prolíficos y sobresalientes escritores que son, a todos les une su pasión por la literatura. Conversarán sobre sus comienzos, su relación con la literatura y sus apasionantes trayectorias literarias y vitales con el escritor y periodista español Juan Cruz.

[30] 21:00 - 22:30. Viernes, 07 de Octubre 2011 Biblioteca Carlos Fuentes.
Película: El caballero Don Quijote
     

Adaptación al cine de la segunda parte de la novela de Miguel de Cervantes. Protagonizada por Juan Luis Galiardo y Carlos Iglesias.
Director: Manuel Gutiérrez Aragón
Duración: 119 minutos

[42] 19:00 - 21:00. Sábado, 08 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala E. Carballido).
Teatro El Milagro: La Ilíada de Homero
     
Sophie Alexander Katz, Juan Carlos Colombo, Leonora Cohen, Jaime López,  Andrés Montiel y Diego Luna


Lectura pública de la adaptación que realizó Alessandro Baricco de La Ilíada de Homero. El Milagro es una asociación independiente de la Ciudad de México que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. Compuesta de 5 monólogos, cuenta, desde la perspectiva de distintos héroes y heroínas en contrapunto, la guerra cuya epopeya dio lugar al nacimiento de la literatura occidental. Alessandro Baricco, autor de novelas como Seda, City, Sin sangre y Océano mar, es uno de los grandes escritores italianos delas nuevas generaciones.
Dirección: Sergio Zurita
Duración: 2 horas

[53] 11:30 - 12:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago.
Philippe Claudel en conversación con Joumana Haddad
     

Philippe Claudel es un célebre escritor y cineasta francés de renombre internacional. Ganó el Premio Renaudot 2003 por su quinta novela, Almas grises, y el Premio Goncourt des Lycéens 2007 por El informe de Brodeck. Gran admirador de Simenon, publicó su primer libro con treinta y siete años. En 2008 se lanzó al cine como guionista y director de su primera película, Il y a longtemps que je t’aime (Hace mucho que te quiero), aclamada por la crítica y con la que recibió, entre otros, el premio BAFTA a la Mejor Película de habla no inglesa. En 2010 estrenó en Francia su último largometraje, Tous les soleils. Conversará con la escritora libanesa Joumana Haddad.
Traducción simultánea del francés al español

[56] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Carpa de la Casa del Lago.
Reflexiones sobre periodismo: Iñaki Gabilondo y Daniel Samper Pizano en conversación con Carlos Marín
     

Los grandes periodistas Iñaki Gabilondo, referente del periodismo radiofónico en España y actual colaborador de El País, y Daniel Samper Pizano, periodista, escritor, guionista de cine y televisión y padre del periodismo de investigación en Colombia, nos hablarán de sus interesantísimas trayectorias y reflexionarán junto con Carlos Marín, director de Milenio, sobre temas como el papel del periodismo en la sociedad y cómo están afectando las nuevas tecnologías a los medios de comunicación.
 

 
[57] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago.
Michael Nyman en conversación con Peter Florence
     

Dos figuras notables del mundo cultural británico nos acompañarán en esta cita. El célebre pianista, compositor de la banda sonora de la película El piano, de Jane Campion, nos hablará de su trabajo. Estará acompañado de Peter Florence, fundador y director del Hay Festivals.
Traducción simultánea del inglés al español
 

 
[58] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Mis películas favoritas: Mario Bellatin con Iván Thays
     

Estos dos escritores latinoamericanos charlarán sobre las películas que más les han gustado. En definitiva, nos dejarán “visitar” durante este encuentro su filmoteca ideal. El mexicano Mario Bellatin es fundador de la Escuela Dinámica de Escritores. Conocido por su escritura experimental, en sus novelas plantea un juego lúdico entre realidad y ficción. En 2011 ha publicado con la editorial Sexto Piso la novela Disecado. Es un gran conocedor del lenguaje cinematográfico, ya que cursó estudios de guión cinematográfico en la Escuela Internacional de Cine Latinoamericano de San Antonio de los Baños, Cuba. Por su parte, el peruano Iván Thays es profesor universitario, conductor de un programa de televisión sobre libros y autor del conocido blog Moleskine Literario. Ha colaborado como jurado en varios premios literarios, como el Premio Alfaguara, y en 2011 ha publicado su última novela: Un sueño fugaz.
 


[62] 17:00 - 18:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Proyección: documental La bestia
     

Pedro Ultreras, periodista mexicano veterano de la televisión en español en los Estados Unidos, ha dirigido este impactante documental que muestra el sufrimiento que viven los migrantes centroamericanos cuando intentan cruzar México en tren para llegar a Estados Unidos de forma ilegal. Los migrantes sufren abusos tanto por las autoridades mexicanas como por civiles, y a menudo son secuestrados y asesinados, o las mujeres rutinariamente violadas. Para filmar este documental, Pedro Ultreras viajó a lo largo de México con cientos de migrantes en el también llamado “tren de la muerte” o “la bestia”.
Director: Pedro Ultreras. Duración: 93 minutos
0
 

 
[63] 19:00 - 20:00. Domingo, 09 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala E. Carballido).
Concierto: Michael Nyman
     

Pianista, musicólogo, compositor y crítico musical inglés, pertenece al género minimalista. Ha colaborado en numerosas películas del cineasta británico Peter Greenaway y compuso la banda sonora de El piano, de Jane Campion. En 2011 ha terminado de grabar la ópera Facing Goya. En esta cita, Michael Nyman nos deleitará con un concierto de piano.

[67] 19:00 - 19:35. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Documental: Coloquio en la residencia
     

La cinta recrea la relación entre Dalí y Federico García Lorca a través de una lectura de fragmentos de su correspondencia, notas, dedicatorias. Realizada en el Salón de la Residencia de Estudiantes de Madrid y entrelazada con algunos de sus poemas y cuadros. Protagonizado por Alberto Amarilla y Víctor Clavijo.
Dirección: Manuel Gutiérrez Aragón
Duración: 35 minutos

[70] 21:00 - 23:10. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Película: La mitad del cielo
     

En los años sesenta, una mujer humilde abandona todo para abrirse paso en la sociedad de la época, logrando alcanzar el éxito. Película en la que destaca la actuación de los actores españoles Ángela Molina y Fernando Fernán Gómez.
Dirección: Manuel Gutiérrez Aragón
Duración: 127 minutos


[T7] 10:00 - 12:00. Sábado, 08 de Octubre 2011 Biblioteca Carlos Fuentes.
Taller de guión cinematográfico: Senel Paz y Manuel Gutiérrez Aragón
     

Senel Paz, guionista de películas como Fresa y chocolate o Malena es un nombre de tango, y Manuel Gutiérrez Aragón, director de Habla, mudita y La mitad del cielo, conversarán con los participantes sobre cómo se elabora un guión cinematográfico.
Audiencia: 25 personas (máx.). Duración: 2 horas

MAS INFO: http://www.hayfestival.com



Regresa Filmarte esta vez con todo!

El Gobierno del Estado de Veracruz a través de la Secretaría de Turismo, Cultura y Cinematografía; invita a todos los jóvenes cineastas a participar en el Festival Nacional de Cortometraje Filmarte 2011, que tendrá lugar del 31 de octubre al 5 de noviembre en Xalapa, tomando en cuenta que la convocatoria permanecerá abierta hasta el viernes 7 de octubre.
Como parte medular de su programación se realizará el rally de cortometraje “Filma en Veracruz” y el concurso internacional de video turístico promocional “Orquídea de Plata”, único en el país, así como una amplia variedad de actividades como talleres, conferencias, presentaciones de libros, premieres y proyecciones cinematográficas, entre otros.
Como jurados de guión para el rally se ha invitado a los actores Víctor Carpinteiro y Karina Gidi; la productora Elsa Reyes y el director Marcel Sisniega. Como jurado final de dicho rally, estarán el actor Roberto Sosa y la productora Terry Fernández; mientras que como jurado del concurso “Orquídea de Plata” se contará con la presencia del productor Hugo Van Belle, entre otras destacadas personalidades.
Dentro de la exhibición de cortometrajes se contará con la participación de otros festivales como el de Puebla, Morelia, VLAF, CUEC y CCC; Short Shorts films, Mórbido y Macabro, entre otros.
Con el apoyo de IMCINE será inaugurada la muestra de carteles “Luchadores enmascarados, una leyenda”, con la primera actriz del cine mexicano Lorena Velázquez; y el estreno de la serie televisiva A2D3, con la presencia de los protagonistas Luis Manuel Ávila y Zully Kate.
Asimismo, se presentará el libro de Guadalupe Sánchez, Guía para los animados: Animación tradicional con ayuda de herramientas digitales, que estará acompañada por Marina Stavenhagen, Directora de IMCINE, quien también ofrecerá una interesante conferencia en la galería principal de El Ágora de la Ciudad.
De igual forma, se inaugurará la Muestra de Altares Multimedia con la participación de importantes creadores plásticos, entre los que destaca el colectivo Galería Alergia, Alfredo Romero y Emmanuel Cruz.
Se reconocerá la labor de Rocío Sagaón, actriz de películas de la época de Oro en México, como “En este pueblo no hay ladrones” de Alberto Isaac e “Islas Marías” con Pedro Infante.
Está programado también el coloquio “El cine sin censura” con reconocidos directores, productores y actores.
Cabe destacar la presencia de la actriz veracruzana Ana de la Reguera, quien ha llevado a cabo una importante labor cinematográfica a nivel internacional y a través de su actividad ha impulsado y apoyado el desarrollo cultural del Estado; también está confirmada la presencia de Jorge Fons, otro veracruzano, director de importantes cintas como “El callejón de los milagros” y “Rojo amanecer”.
Ambos artistas serán homenajeados por parte del Gobierno del Estado de Veracruz en la ceremonia de clausura y cierre de actividades del festival, donde se contará con invitados especiales como Rodolfo Ritter, Elizabeth Cervantes, Mónica del Carmen, Gustavo Sánchez Parra, las maestras Mónica Lozano, Tita Lombardo y el productor Ramón Valdez, entre otros.
Los premios consisten en $100,000.00 para el Primer lugar, $50,000.00 para el Segundo lugar y $25,000.00 para el Tercer lugar. Además, se convoca al premio internacional de video promocional turístico “Orquídea de Plata”, con un premio único $50,000.00.
Sin duda alguna es un evento que fomenta el talento veracruzano a nivel nacional, por lo cual representa una gran oportunidad para todos aquellos que deseen desarrollarse profesionalmente en el mundo cinematográfico. Para consultar las bases de la convocatoria dirigirse a www.festivalfilmarte.com

Veracruzana elegida en el Riviera Maya Underground Film Festival

Fuente: Laura Haddad
http://www.imagendeveracruz.com.mx/

Luz Montero, estudiante de la Carrera de Cinematografía de la Escuela Veracruzana de Cine “Luis Buñuel”, fue seleccionada por la sexta edición del Riviera Maya Underground Film Festival Internacional (RMUFF 2011) para participar en este evento.

La sexta edición del Riviera Maya Underground Film Festival Internacional (RMUFF 2011) se llevará a cabo del 6 al 9 de octubre en distintas sedes de Playa del Carmen, Quintana Roo, con la participación de cortometrajes de todo el mundo, entre ellos Un otoño, escrito y dirigido por la joven veracruzana Luz Montero.

Con 20 años Luz Montero, forma parte de esta selección del festival, dentro de la categoría de ficción. En la filmación de Un Otoño participaron también: Alberto Ladrón de Guevara, Ares Pintle, Margie García, Ignacio Guerrero, entre otros alumnos de la Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel.
Lo anterior lo dio a conocer la propia Escuela Veracruzana de Cine “Luis Buñuel”, quien en un boletín de prensa apunta: “El hecho de ser seleccionada entre cientos de competidores de México, China, Rusia, Alemania, España, Estados Unidos, Chile, Reino Unido e incluso Etiopía por mencionar algunos, ya habla de un triunfo de esta joven orgullosamente veracruzana y de todo su equipo que no dudamos que en un futuro formarán parte de esta generación de jóvenes cineastas que están logrando poner el alto al cine nacional.”.
Luz Montero estudia el quinto semestre de la carrera de Cinematografía, en la citada escuela. En marzo de este año, formó parte del jurado mezcal en el Festival Internacional de Cine, en Guadalajara.

En seis años de realización, el Festival Underground de la Riviera Maya ha conseguido recibir más de 1000 cortometrajes, y establecer convenios con festivales en otros países como: Arrivano I corti de Italia, Cine a las calles de Colombia, Promofest de España, Festival de la Plata de Argentina, Festival de cine pobre de Cuba y La Matatena de la Ciudad de México, entre otros. Además del acercamiento de productores y realizadores de reconocimiento internacional, aparte del respaldo y apoyo del director del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM) Armando Casas y la importante asistencia de gran numero de espectadores amantes del séptimo arte.

En su sexta edición, se proyectará, para todo público, la muestra de la selección oficial de los cortos que este año estarán en competencia, en sus diferentes géneros, tales como Documental, Animación y Ficción, que serán calificados por expertos y reconocidos productores, así como realizadores de proyectos audiovisuales.

El origen del planeta de los simios "Re-evolucionando una franquicia"

Amigos cinéfilos hemos visto el Origen del Planeta de los Simios, tambien llamada Planeta de los Simios Re-evolución, debemos decir que tienen que ir a verla, es una cinta bastante interesante, fuera del tema de la ciencia ficción, para los que piensan que se trata de otra pelicula que cae en el casillero de Star Wars, para nada, estamos frente a una renovada versión que se aprovecha de la primicia legendaria de los 60s para los que ya vieron el film viejito de 1968, pero repetimos, se aprovecha para bien, y nos trae a la época actual para contarnos una historia que bien puede suceder en la vida real, asi que Planeta de los simios Re-evolución se coloca como una cinta que no solo es entretenida, sino que además plantea un cuestionamiento, aqui el rollo gira en torno a, ¿Qué pasaría si el hombre en su afán científico le diera más inteligencia a cierta especie animal, al grado que ésta se revelara contra su creador?, pues bien, Planeta de los simios Re-evolución plantea eso, la rebelion animal armada de los mejores efectos especiales puestos al servicio de un justificado planteamiento, no es la clásica pelicula dominguera que usa efectos como pretexto para vender, aqui es al revés, la historia que atrapa al expectador desde el principio y va deleitandole con el uso de los efectos para darle una vez más, realidades que solo podrían suceder en dos lugares, en el cine y en su imaginación.

A los fanáticos de la saga les gustara mucho, pero lo interesante es que no necesitas haber visto alguna de las viejitas para esta, pues aquí estan partiendo desde el inicio, otro dato curioso es que viendo esta película podría el expectador saborear mejor la legendaria Planeta de los Simios de 1968, pero por otro lado, algo nos hace sospechar que ahora podrían inyectarle nuevo sabor a esta saga reiniciada y llevarla cronológicamente hasta su formación total como "Planeta de los simios". Olvidate de la pelicula del 2001 de Tim Burton "Planeta de los Simios" queda totalmente fuera de lugar y no creas que viendola aprenderas más o te servirá para ver esta, sigue nuestro consejo, ve Planeta de Los Simios de 1968 y la otra del 2001 no la veas, ahora que si decides ver antes Planeta de los Simios Re-evolución, como te lo mencionamos, adelante.

Ahora bien, si no has visto la película todavía deja de leer a partir de aqui, y cuando la veas, podras seguir leyendo.


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Planeta de los simios Re-Evolucion nos deja apenas con la probadita de lo que será la Tierra, El Planeta de los Simios, la humanidad en fase de extinción, Icarus perdido en el espacio, Cesar encabezando el reinado simio, todo lo que se cuenta en las leyendas de la película "El Planeta de los Simios" 1968, ahora bien, originalmente en las sagas, Cesar venía de dos simios que venian del futuro en una nave espacial, interesante sería que la droga que utilizaran en la película fuera producto de alguna caja de pandora que viniera del futuro, respetando así la primicia de que Cesar es hijo del futuro, ahora bien, mientras la humanidad se extingue y los simios dominan el planeta, Taylor y otros dos astronautas permanecerán perdidos 2 mil años, ya para entonces con los cambios climáticos de la tierra no será dificil creer que Nueva York ya no exista, la estatua de la libertad efectivamente permanezca enterrada, y los ultimos vestigios de la humanidad se hallen en las ruinas de las consideradas hoy ciudades modernas, si fuera el caso, nos tendrían que contar que pasará en la tierra durante esos dos mil años antes que regrese Taylor (Charlton Heston) y descubra la terrible verdad.


Curiosidades del Planeta de los simios Re-evolución

  • Se menciona a la nave Icarus que tiene como destino Marte
  • Cornelia es una hembra simio que está enjaulada en el albergue de simios, cuando Cesar ve que ha sido llevada al complejo de experimentación decide ir a liberarla, pero eso no lo percibe a simple vista el expectador, se sugiere que probablemente se retiro una escena donde Cesar se enamora de Cornelia
  • Cornelius es el nombre del Padre de Cesar en la saga del Planeta de los Simios, es posible que sea alusivo el nombre de Cornelia como posible pareja de Cesar.
  • El simio de circo que conoce a Cesar en el albergue se llama Maurice, como el actor Maurice Evans que interpretaba a un orangutan llamado Dr. Zaius, un sabio de la saga del Planeta de los simios, probablemente Maurice sea el patriarca de la familia de sabios en esta nueva raza de super simios.
  • Buck, por otra parte es el nombre del gorila, es un guiño al actor Buck Kartalian, quien interpreto al Gorila Julius en la original Planeta de los Simios.
  • Ojos brillantes que es la mamá de Cesar, su nombre también se lo ponen a Charlton Heston en el original Planeta de los Simios.
  • Koba es un simio diferente, es un konobo, mientras que Cesar es un chimpance, parece ser que habrá diferencias entre ellos, nos suena a segunda parte?.
  • Andy Serkis, que interpreta a Cesar, como modelo animado por computadora, también interpretó a King Kong y a Gollum! asi que podríamos decir que la actuación aunque es animada, se la lleva Cesar!
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